"Die Liebe sollte nicht tyrannisch sein, sondern bedingungslos".

- Warum haben Sie "Bury Me Behind the Skirting Board" für Ihre Mono-Performance gewählt? Was hat Sie als Regisseur und Künstler an diesem Stoff berührt?

- Meine Hauptthemen sind das Entstehen oder Zerbrechen einer Familie. Und gerade in dieser Novelle sehe ich die Katastrophe und spüre das emotionale Brennen, das sinnliche Brennen. Denn die Menschen, die sich gegenseitig beschützen sollen, sind miteinander verfeindet, sie bekämpfen sich gegenseitig. Eine Mutter kämpft mit ihrer Großmutter um einen kleinen Jungen, der noch am Leben ist. Und es ist nicht nur ein Kampf, es ist ein Krieg. Und das Objekt dieses Krieges ist nicht irgendein Gegenstand oder ein Territorium, eine Wohnung oder etwas anderes, sondern ein lebendiges kleines Kind, das auseinandergerissen wird, das all diese familiären Schrecken sieht. Für mich ist das beängstigend. Ich kann nicht sagen, dass ich in meiner Biografie etwas Ähnliches erlebt habe, aber ich sehe es oft bei Menschen, die mir nahe stehen. Und das ist beängstigend. Es sollte nicht so sein. Liebe sollte nicht tyrannisch sein, sondern bedingungslos.

- Wie ist es, gleichzeitig Regisseur und Darsteller zu sein?

- Zuerst habe ich dieses Stück für meinen Freund Maxim Morozov inszeniert. Es wird bis heute in St. Petersburg aufgeführt. In Europa habe ich versucht, andere Schauspieler zu engagieren, aber es hat nicht geklappt. Dann wurde mir gesagt: "Du kennst den Stoff - spiele ihn selbst". Das erwies sich als die richtige Entscheidung. Ich kenne den Text, ich habe ihn gefühlsmäßig erlebt. Anfangs war es schwierig - als Regisseur war ich während der Aufführung noch am Nachdenken. Aber mit der Zeit habe ich losgelassen. Jetzt fühle ich mich auf der Bühne stabil und ehrlich. Der Vorteil ist, dass ich alles über den Stoff weiß - ich brauche keinen Blick von außen.

- Es ist nicht das erste Mal, dass Sie dieses Stück aufführen. Unterscheidet sich die Wahrnehmung des Publikums in den verschiedenen Städten und Ländern?

- Ja, aber das hängt nicht von dem Land ab. Manchmal ist das Publikum sofort dabei, lacht, reagiert. Manchmal ist es still, aber sehr engagiert. Das Wichtigste ist die Energie des Publikums. Ich bin mit jeder Reaktion zufrieden. Es ist wunderbar, dass wir alle unterschiedlich sind und auf verschiedene Weise reagieren. Was erwarte ich vom Luxemburger Publikum? Ich freue mich einfach darauf, das Publikum zu treffen, ihm meine Energie zu geben und ihre Energie zu spüren;

- Was sollte ein Zuschauer vor einer Aufführung wissen? Ist es notwendig, das Buch zu kennen?

- Die Kenntnis des Buches ist optional. Aber es ist wichtig zu wissen, dass das Stück nicht dasselbe ist wie der Film. Der Film ist viel härter, und ich bin als Regisseur nicht so nah dran. Ich halte mich an das Buch. Es ist eine Autobiografie, und es steckt eine Menge Humor darin. Die erste Hälfte ist fast eine Komödie, weil ein Kind die Dinge anders sieht. Das Stück ist eine Tragikomödie. Ich kann den Zuschauern also nur raten, nicht zu denken, dass das Stück genauso hart sein wird wie der Film, dass es so hart sein wird. Und Sie können das Buch lesen. Aber wenn Sie das Buch nicht kennen, dann wird bei der Aufführung alles klar sein. Kommen Sie einfach und sehen Sie es sich an.

- Wie bewältigen Sie die Arbeitsbelastung bei einer Monoaufführung?

- Es ist eine Herausforderung. Kürzlich habe ich in Lissabon zwei Stücke hintereinander aufgeführt - das war hart, aber irgendwann kommen der Körper und die Energie wieder in Gang. Ich versuche, am Tag der Aufführung nicht zu Mittag zu essen und mich vorher nicht emotional zu verausgaben. Es ist wichtig, die Höhepunkte schon bei den Durchläufen zu erreichen, um das Publikum später nicht zu enttäuschen. Es kann schwierig sein, aber es ist ein Beruf. Jeder kann in seinem Beruf manchmal schwierig sein.

- Welche Themen des Stücks scheinen Ihnen heute besonders wichtig zu sein, auch außerhalb Russlands?

- Das Thema der zerrütteten Familie ist universell. Wir tragen Traumata von Generation zu Generation weiter. Ich denke, das ist jedem russischsprachigen Menschen klar, denn leider ist es so, dass wir von Generation zu Generation versuchen, aus diesem Loch herauszukommen. Das Stück spielt in der Sowjetzeit, und wir sehen eine Großmutter, die durch den Staat, durch Denunziationen, durch Beziehungen verkrüppelt wurde. Diese Generation tut mir leid, und gleichzeitig tut mir die nächste Generation leid, weil sie unter den Traumata der vorherigen Generation leiden wird. Und das ist so ein endloser Kreislauf. Ist das relevant? Natürlich, vor allem im Zusammenhang mit Krieg und Emigration. Die Familie ist das, was wir haben, geliebte Menschen, Freunde. Das sind die Inseln, die wir versuchen zu bewahren, indem wir unseren Wohnort wechseln, damit wir wenigstens das noch haben. Wie auch immer Sie zu Ihren Verwandten stehen, es ist wichtig, dass Sie versuchen, Ihre Familie zu verteidigen, auch wenn Sie andere Ansichten haben, aber es ist wichtig, sie zu erhalten. Früher oder später wird der Krieg zu Ende sein. Und es muss immer eine Familie geben.

- Wie wird das russische Drama im Ausland wahrgenommen? Hat es eine universelle Sprache?

-Ja, sie wird verstanden. Tschechow wird inszeniert, neue Autoren tauchen auf. Ich denke daran, das Stück ins Deutsche zu übersetzen. In Deutschland werden sie es bestimmt verstehen. Denn es gab die DDR, die BRD, die Berliner Mauer, und sie verstehen auch diesen Zusammenhang. Sie haben viele Gemeinsamkeiten. Wie wird es zum Beispiel in Österreich sein? Ich weiß es nicht, aber wir können es versuchen. In anderen Ländern werden wir sehen. Die Hauptsache ist, dass das Thema verstanden wird. Integration ist wichtig.

- Welche Produktionen und Regisseure haben Ihren Ansatz beeinflusst?

-  Ich versuche, mich inspirieren zu lassen, aber nicht zu kopieren. Ich lasse mich von Krymov, Yana Tumina und meinem Meister Ruslan Kudashov inspirieren. Seine Schule ist in mir, aber ich suche nach meinem eigenen Weg. Er selbst hat immer gesagt: "Ihr müsst keine Kopien sein".

- Wie verändert sich das Theater Ihrer Meinung nach?

-  Das ist eine schwierige Frage, weil ich meinen Wohnort gewechselt habe und versuche, das europäische Theater zu sehen, und das ist doch anders. Ich war auf dem internationalen Puppen- und Objektfestival in Bochum. Das war sehr cool. Ein ganz anderer Ansatz. Mehr dokumentarische Geschichten als Geschichten, die auf künstlerischem Material basieren. Die Europäer sind im Prinzip eher geneigt, über sich selbst zu sprechen, über Probleme, die in der Gesellschaft auftauchen, sie sind an Dokumentarischem interessiert. Ich bin also noch dabei, mich anzupassen, zu lernen. Ich bin daran interessiert, etwas in ihrem Format auszuprobieren. In Deutschland habe ich eine dokumentarische Performance  "Daring" gemacht, basierend auf den Biografien von Frauen, die die Welt verändert haben. Die Schauspieler waren Teenager. Ich bin sehr stolz auf diese Arbeit, weil ich die Probleme der heutigen Generation höre, wie sie sie ausdrücken, wie sie ihre Grenzen behaupten. Und das ist sehr wichtig. Ich denke, man könnte es als meinen ersten Schritt zur Integration bezeichnen.

- Wenn Sie das Publikum nach der Aufführung mit einem Gedanken zurücklassen könnten - welcher wäre das?

-  Liebe. Und ein einfacher Gedanke: Kümmern wir uns umeinander